EL CAMBIO DE JOSETE.

"El cambio de Josete."

Reflexión personal acerca del post y vídeo:

Las personas como Josete desean tanto una vida normal y la ven tan imposible que se acomodan a la vida que llevan, pero lo que no saben es que aveces sólo hace falta un pequeño empujón. Como vemos en este vídeo, un cambio de imagen puede cambiar mucho tus opciones de trabajo, ya que la imagen personal a día de hoy es una cosa muy valorada, juzgamos muchas veces a la gente por su apariencia , sin saber que detrás de esa mala apariencia hay una persona que está sufriendo. Por lo tanto, es de admirar lo que se propuso este peluquero y lo que hizo con Josete, es un cambio radical, que estoy segura que le abrirá muchas puertas en la vida, que le ayudará a seguir adelante y con mucho más animo del que tenía.
Por último decir que tendría que haber muchas más personas como ese peluquero, que con una cosa tan simple ayuden tanto a las personas que lo necesitan.

Enlace a la noticia. Periódico La vanguardia.

ANDY WARHOL.

1. Biografía y trayectoria.

Andrew Warhola conocido como Andy Warhol. Nace en Pittsburg en 1928 y fallece en Nueva York en 1987. Procedente de una familia de inmigrantes eslovacos, sus padres viajan al país americano antes del nacimiento de Andrew. Desde pequeño sobresale en sus primeras clases de arte en el Carnegie Institute hasta que consigue graduarse.

Tras terminar sus estudios, Warhol se traslada a Nueva York donde desarrolló la mayor parte de su obra artística como creador publicitario en grandes revistas como Glamour, Vogue o The New Yorker o para marcas conocidas de zapatos. Gracias a esto el autor funda su estudio The Factory, que finalmente se convertirá no sólo en un lugar de creación sino también de reunión de los artistas más underground del Nueva York del momento.

Tras un viaje alrededor del mundo Warhol comenzó a realizar sus obras más famosas. Después comenzó su etapa plenamente Pop, abreviatura de la expresión popular art. Para Warhol, lo importante no es la realización manual de la obra de arte sino la elección del objeto, que lo es por su propio valor artístico.

Bajo una crítica a la cultura de masas, a la impersonalidad de la sociedad americana y a la sociedad de consumo, Warhol presenta dos elementos de ese capitalismo que repite de una forma casi obsesiva multiplicando en hileras con ligeras diferencias de impresión. Las dos imágenes elegidas fueron la lata de sopa Campbell (1964) y los botellines de Coca-Cola, Así su obra se reduce a una simple elección aparentemente banal pero que encierra un sentido irónico y crítico hacia el materialismo, la popularidad, el dinero y la fama.

Warhol realizó con la misma técnica, una serie de retratos de estrellas de Hollywood como Marilyn Monroe, Elvis Presley y Elizabeth Taylor. 

Warhol también pintó otros aspectos de la vida como accidentes de tráfico o desastres. Ese es el caso de su colección "Muerte y Desastres" en la que se incluyen obras como Accidente en coche o Desastre naranja, la reproducción de la silla eléctrica o como elementos de la naturaleza tal como flores o animales que reproduce con la misma obsesión que los objetos.

Los últimos tiempos de Andy transcurren algo más tranquilos que los vertiginosos 60 y 70 , especialmente tras el intento de asesinato contra su persona, pero seguirá retratando a conocidos como Mick Jagger, Liza Minelli, Elizabeth Taylor, Grace Kelly, Jacqueline Kennedy o Mao Tse Tung

Además de por la pintura y la escultura, Warhol es conocido por sus colaboraciones junto con en el grupo musical The Velvet Underground y por una serie de películas de alto contenido erótico como Eat (1963), The Chelsea Girls (1965) o Blue Movie (1969). Además de la temática erótica, Warhol rodó producciones de larga duración donde el espectador podía observar la misma imagen en distintos momentos del día. En 1967 fundó junto a Paul Morrisez la Film Makers Cooperative que produjo entre otras películas Flesh y Trash, sus films más conocidos.

Tan importante como su obra es la imagen pública que él mismo proyecta como artista y como intelectual. Andy Warhol sabe esto y juega con su imagen andrógina. Como muestra de su excentricidad dejó su vida bien documentada en la obra La filosofía de Andy Warhol del año 1975.

2.Warhol en Toledo. El reencuentro.

Es una apuesta de arte contemporáneo. En la primera planta pudimos observar obras de tres artistas. Comenzamos con Boyer Tresaco, es un artista de arte contemporáneo muy conocido, porque fue el primero que hizo una instalación en Arco. Sus cuadros son obras de gran formato , obras de 2 metros por 2 metros. En esta sala tambien había tres esculturas de resina y dos cuadros junto con otro que habia en la sala contigua forman parte de una serie que se llama Demoiselle d´avignon, es un arte de tipo crítico y representa las diferencias que hay en el mundo. Los dos cuadros de esta sala se llaman Nochebuena 1 y Nochebuena 2. Pudimos observar otras tres obras que son acrílicos, llamados heterónimos.

En la segunda sala (sala principal), habia lienzos de Pedro Castrortega, un artista que utiliza tambien gran formato, habia dos paneles de 2x2 llamado Mediterráneo y lo que representa es todo el drama de las pateras que llegan a las islas del sur de Italia con los emigrantes. La siguiente obra se llama Maternidad, otra es un homenaje a Nelson Mandela, lo pintó el día de su muerte. Las esculturas son de punta , de una artista malagueña llamada Yolanda Relinque, discipula de Pedro Castrortega y representa lo que esta pintado en los cuadros, una se llama Ternura (pinguino), otra llamada Parto, que representa el parte de una mujer. A continuación habia 9 obras que formaban parte de una serie que se llama Mil vidas, que es un proyecto de pinturas que se venden para apollar a una ONG.

Después bajamos a otra sala, llamada la sala del sótano. Son 17 las obras de Warhol, es uno de los artistas contemporáneos más conocidos, inventó una técnica llamada Bottle lined (una de las obras se llama Maceta de Navidad). En la parte central estaba situada una obra llamada Postre cónico, porque es una de las obras que más se podría identificar con él, otra obra de las más importantes es Pierna con zapato que estaba situada en un pasillito sola. Por toda la sala estaban los retratos de Marilyn Monroe, Elvis Presley, Mickael Jackson, etc. Otra obra se llama La hoz y el martillo, hace referencia a la influencia del partido comunista. En 1983 hace una visita a Toledo.

3. Análisis de la obra.

El cuadro que he elegido se llama "shoes and leg", le he elegido por que cuando le vi me llamó la atención el lugar donde estab situado, al estar sola esta obra en un pasillo supuse que era una de las más importantes y me gustó bastante el estampado de la pierna . Esta obra está pintado en 1955 Utiliza un papel violeta sobre el que plasma la técnica de compensado litografia, la litografía es una técnica que permite al artista dibujar directamente sobre la piedra pulimentada con el fin de imprimir cuantas copias se deseen del original, los facilitaba tener copias de un mismo trabajo. Es de tamañano desconocido y en ella se emplea el sello de Warhol y sus iniciales en el reverso, usa unos márgenes completos, esta obra en general tiene un buen estado de enmarcado.



Interpretación de la obra.

4.Retrato tipo Warhol.

CORRIENTES ESTÉTICAS CLÁSICAS.

7. CORRIENTES ESTÉTICAS CLÁSICAS.

Una corriente estética es una tendencia o actitud que impulsa un conjunto de personas a establecer criterios o ideas sobre los resultados de su trabajo artístico. En la fotografía, como en todos los campos creativos, también han existido desde su descubrimiento diferentes corrientes estéticas, nacidas generalmente por oposición a los gustos artísticos de otros grupos.

-Fotografía artística: bajo este nombre se indentificó la obra de fotógrafos que trataron de incorporar a la fotografía elementos propios de la pintura de la época. Desarrollaron su trabajo en la segunda mitad del s. XIX.
Esta corriente estética surgió como reacción a las críticas de quienes en aquella época negaban que la fotografía tuviera valor artístico. Sus integrantes buscaron inspiración en la pintura academicista, de la que tomaron sobre todo sus temas: bíblicos, mitológicos, históricos..
Eran fotografías laboriosas y complicadas de realizar pues utilizaban decorados, vestuario y en ocasiones recurrían también a la combinación de negativos para conseguir una composición previamente pensada, de modo que la obra fotográfica final era fruto de múltiples tratamientos.
Algunos fotografos de esta corriente fueron: Oscar Gustav Rejlander (su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en los temas de la alegoría, el mito, la historia. Para la obtención de la obra final realiza previos bocetos y luego retoca los negativos, con tal maestría que no se nota el retoque), Henry Peach Robinson (su obra más célebre "Los últimos instantes" ,1858, es considerado el primer fotomontaje de la historia, cada una de las personas que aparecen corresponde a un negativo distinto) y Julia Margaret Cameron (se dedicó al retrato fotográfico de corte artístico, así como a la representación escenográfica de alegorías que la enmarcan en la corriente de la fotografía academista.)

                                         Los últimos instantes.

-Pictorialismo: fue una corriente fotografica que se desarrolló en Europa, EEUU y Japón desde 1880 hasta final de la Primera Guerra Mundial. Pictorialismo proviene del término en inglés "picture".
Las tendencias principales dentro del pictorialismo fueron el naturalismo y el impresionismo. Los fotógrafos más destacados del naturalismo fueron: Peter Henry Emerson y Henry Peach Robinson. Y entre los impresionistas está el británico Alvin Langdon Coburn y el luxemburgués Edward Steichen y el español José Ortiz-Echague.
Los pictorialistas estaban preocupados por la estética y el impacto emocional. Preferían la imagen levemente desenfocada y rechazaban la nidez. Lo importante era el contenido, sin accesorios visuales que consideraban secundarios. Se hacían impresiones combinadas, se manipulaban los negativos y se usaban técnicas como la goma bicromatada. La goma bicromatada está basada en la propiedad de las sales de cromo (principalmente bicromato potásico y amónico) que al mezclarse con la goma arábiga se vuelve insoluble al ser expuesta a la luz ultravioleta o a la luz solar. A esta emulsión fotosensible se le añade un pigmento soluble en agua (acuarela, tinta china o gouache) que da el tono y color a la copia sobre papel, tela u otros materiales porosos, que disminuía la nitidez de los detalles y producía una imagen más artística.

-Dinamismo: Uno de los primeros usos de la fotografía fue científico. Por primera vez se podía "congelar" un momento de la realidad y observarlo de manera fija y contínua. Permitía también hacer un análisis de la estructura y del movimiento de seres vivos. Esta corriente se llamó dinamismo.
Para desarrollar estos movimientos se realizaron las cronofotografías, en donde el movimiento dinámico de un cuerpo quedaba registrado en cada una de sus reflexiones y tensiones. Eran imágenes que ayudaron a entender mejor la estructura física de los cuerpos.

Entre 1870 y 1914, fotografos como el francés Etienne Jules Marey, (tuvo éxito en analizar con diagramas el caminar de un hombre y de un caballo, el vuelo de los pájaros y los insectos) y el británico Eadweard Muybridge lograron reducir el tiempo de exposición de cada fotografía, muy necesario para captar elementos en movimiento. Se empleaban hileras de 24 cámaras que disparaban, desde ángulos diferentes, mediante un mecanismo especial al pasar por delante de un motivo móvil, objetos, personas o animales.

-Nuevo realismo:  Fue un movimiento surgido del pictorialismo en la década de 1920, impulsados por artistas que buscaban acercarse más a la realidad sin manipular las imágenes en el positivado; por ello es conocida también como fotografía objetiva. Tenían en común la idea de que la imagen fotográfica es algo diferente y que no tiene por qué imitar a la pintura. Su fundamento principal fue la búsqueda de la riqueza tonal y la nitidez de los detalles, características que hoy son normales, pero en su día significaron una verdadera revolución.
El fotógrafo estadounidense Alfred Stieglizt, fue su principal promotor desde el grupo photo secession (1900), al que pertenecieron Edward Steichen y Clarence H.White.
Los neorealistas propugnaron el reconocimiento de la fotografía como una manifestación artística autónoma. La revista Camera work fue fundada por Alfred en 1902, recogía las últimas tendencias artísticas de la época, especialmente en lo referente a fotografía artística de tendencia pictorialista, así como reflexiones estéticas, explicaciones técnicas y contestaciones a las críticas recibidas. En ella escribieron muchos de los artistas pictorialistas y vanguardistas del momento, explicando y defendiendo la novedad conceptual emergente en el principio del s.XX. Fue el medio para difundir estas ideas y las obras de fotógrafos de este movimiento como: Ansell Adams, Frederick Evans, Paul Strand, Edward Weston y Imogen Cunningha.

                                                  Manos de Dorothy Norman.



8. OTRAS CORRIENTES ESTÉTICAS.

Las corrientes estéticas fotográficas modernas tienen los mismos objetivos que las clásicas, o cualquier otra corriente contemporánea: defender un punto de vista personal sobre como tratar la técnica de registro, el revelado y positivado de la foto, que temática elegir y que estética aplicar.

-Estructuralismo y abstracción.
Algunos fotógrafos que realizaron su obra a partir de la década de 1920 no eran partidarios de reproducir la realidad, si no de crear imágenes que existían previamente.
La fuente lumínica fue la herramienta principal para experimentar sobre las formas y las estructuras de las imágenes. Volúmenes, texturas, juegos de luces y sombras, fueron los elementos predilectos para la experimentación y creación de formas ineditas mediante la fotografía, también las reformaciones ópticas, solarizaciones y otras manipulaciones técnicas, como montajes, dibujo sobre la fotografía, tomas no convencionales, reflejos... se consiguen así imágenes abstractas. Algunos autores fueron Alexander Rodtchenko y László Moholy-Nagy.
                                                 
                                                    La femme au leica.

                                         Barcos, Marsella.

-Surrealismo :
Se trata de un movimiento artístico que busca trascender lo real a partir del impulso psíquico de lo imaginario y lo irracional. Surgió del movimiento dadaista en la década de 1920. André Breton describió el surrealismo como el automatismo psíquico puro. A través de este automatismo el artista intenta expresar como funciona realmente el pensamiento humano. La razón no intervendrá en sus manifestaciones y dejará de lado las preocupaciones morales o estéticas. Esta corriente dio un enorme impulso a la fotografía utilizando con total libertad una variedad de técnicas, como el collage, el fotomontaje, el positivado de varios negativos en un mismo papel, las impresiones por ocultación, el coloreado a mano... Las imágenes eran siempre desconcertantes, con ironía, remitían al mundo onírico y también podría ser turbadoras o profundas. En la actualidad sus técnicas se utilizan mucho en publicidad y como medio de expresión personal. Son números los fotógrafos que han creado obras surrealistas en algún momento de su carrera: Henry Lartigue, Robert Doisneau, Elliot Erwitt, Philippe Halsman, Henry Cartier-Bresson.

                                                           Philippe de dali,1954

-Documentalismo y fotoperiodismo:
Se puede considerar que la fotografía documental se inició con fotógrafos como Mathew Brady en la década de 1860. Los primeros documentalistas trabajaron aislados y sin conexión con las llamadas sociedades o hermandades fotográficas de las grandes capitales mundiales. Para estas, la fotografía documental era considerada vulgar y hasta de mal gusto. La realidad de la gente común y corriente no merecía ser tomada como tema fotográfico.
La fotografía documental combina el uso de la imagen como documento y testimonio. Es el antecedente al fotoperiodismo, que alcanzó pronto un alto grado de prestigio en todo el mundo hasta la actualidad.
La fotografía documentalista buscaba mostrar el ser humano en su amplia fotografía y diversidad: la crítica social, los acontecimientos dramáticos causados por la naturaleza o generados por los propios seres humanos, como conflictos bélicos y revoluciones .
Algunos documentalistas célebres fueron: Robert Capa, Lewis Hine, Waljer Evans, Irving Penn, Richard Avendong y Manuel Álvarez Bravo.
En 1947, un grupo de fotógrafos de diversas nacionalidades fundó en París la agencia Magnum. Estaba integrada, entre otros por Robert Capa, Henry Cartier-Bresson, David Seymour, George Rodger y Werner Bishof  (foto de David Seymour de federico garcía lorca 1936)
La agencia guarda en sus archivos miles de negativos y diapositivas no sólo de los hechos más importantes acaecidos en el mundo desde la segunda guerra mundial , sino también de los estilos de vida del ser humano en diversos momentos y lugares del planeta.

                                              Miliciano.

                                              Desembarco de Normandía, Robert Capa

6. GÉNEROS FOTOGRÁFICOS.

La fotografía es un medio de expresión visual y una herramienta de registro de información. La dedicación a un campo determinado de la fotografía requiere una formación adecuada y un alto grado de especialización. Estas son las razones por las que los fotógrafos profesionales suelen dedicarse a un solo género o ámbito de trabajo.


-Fotografía publicitaria: la publicidad representa uno de los campos de la fotografía más competitivo y rentable; abarca un área muy diversificada, la ilustración de toda clase de catálogos, modas, coches.. En publicidad todo es más atractivo que en la realidad. El producto que se anuncia debe crear en los consumidores la ilusoria necesidad de adquirirlo. La fotografía publicitaria está formada por dos tipos de mensajes: Denotativo: Representado a través de una imagen con un mensaje sencillo y entendible. Connotativo: Representado a través de imágenes con un mensaje más codificado que encubre la idea.

Es una fotografía que tiene la capacidad de atraer la atención del público. Transmite la idea de que este coche tiene la mejor tecnología del momento. Es una fotografía que estimula la compra de lo que se anuncia.

-Fotografía de naturaleza: se inicia en la década de 1890, gracias a la aparición de las primeras cámaras portátiles y a los objetivos macro, se trata de un tipo de fotografía de nataraleza que se toma a distancias muy cortas y en los que se buscan los pequeños detalles de la naturaleza. Se pueden usar objetivos macro, flash anular, plato micrométrico, trípode o saco de arroz. Entre las dificultades propias están conseguir el enfoque, eliminar el movimiento, profundidad de campo e iluminación adecuada. Desde entonces esta especialidad ha evolucionado mucho.

En esta fotografía podemos observar que trata de enmarcar los detalles que a simple vista no nos fijamos. Podemos apreciar que el fondo esta desenfocado, para que resalte más el motivo de la foto.

-Fotografía científica y médica: la fotografía es de gran utilidad como instrumento de observación y de medición en los campos de la física, la química y la medicina. Mediante una cámara acoplada a un microscopio electrónico, se pueden fotografiar microorganismos, tejidos, moléculas, órganos, células.. Podemos distinguir entre la fotomacrografía: permite realizar una imagen con detalle de sujetos y estructuras de grandes o pequeñas dimensiones y la fotomicrografía que es el registro de objetos sumamente pequeños. 
Las radiografías que vuelven visibles imágenes captadas por rayos X. Se emplean en medicina o para detectar defectos estructurales y de soldadura. Por ejemplo la restauración de obras de arte.

En esta fotografía podemos observar que está hecha con rayos X captando el motivo que nosotros no podemos ver con nuestros ojos.

-Fotografía aérea: una fotografía aérea es aquella obtenida verticalmente o con un ángulo oblicuo desde el aire. Se trata de fotografía espacial si la imagen se toma desde alguna de las capas más alejadas de la atmósfera, con cámaras electrónicas instalen una nave espacial o en un satélite artificial.

Generalmente los satélites utilizan sensores que pueden captar la energía de la superficie terrestre. A continuación, el satélite envía señales codificadas a la tierra donde un ordenador procesa datos y los convierte en imágenes digitales.
Algunas aplicaciones de la fotografía aérea son: la meteorología, la cartografía, el reconocimiento de terrenos para la planificación urbana o agrícola, los estudios oceanográficos, la detección de incendios en regiones boscosas, etc.

En esta fotografía podemos observar que esta hecha desde bastante altura y que apunta hacia abajo, pero no verticalmente, si no un poco en diagonal.

-Fotografía de arquitectura y paisaje: la fotografía de arquitectura y paisaje intenta mostrar las relaciones entre lo natural y lo creado por el ser humano. Casa, palacios, iglesias y monumentos en general, presentan multitud de detalles arquitectónicos que el fotógrafo capta para mostrar la belleza de esas construcciones.

En esta fotografía podemos observar los detalles arquitectónicos mezclados con el paisaje, en mi opinión el fin de esta fotografía es observar lo creado por el hombre y el paisaje natural junto.

-Fotografía de prensa: el primer periódico ilustrado con fotografías fue el británico Daily Mirror, en 1904.
Desde entonces la importancia de la fotografía de prensa no ha cesado de crecer, y hoy día no se concibe una publicación de prensa sin fotografías.
Una variante de la fotografía de prensa es el reportaje. Que consta de una serie de fotos sobre un mismo tema. Este tipo de trabajo es más reflexivo y analítico y no está sujeto a la urgencia que imponen los acontecimientos diarios, en cierto modo el reportaje es un ensayo en imágenes, a través del cual el fotógrafo da su propio punto de vista sobre el tema tratado.

Podemos observar que la imagen va acompañada de un texto previo que marca y origina la imagen que aparece, esta debe generar en el destinatario el afán de seguir leyendo.

5. LA LUZ EN LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN VISUAL.

Desde Isaac Newton (1692) realizó un conocido experimento, con prismas de vidrio transparentes, con caras no paralelas donde ocurre una doble refracción. En primera instancia, utilizó solo un prisma. Ubicó el prisma en un cuarto oscuro, en el cual entra un haz de luz blanca y atraviesa un trozo de cristal con caras planas, que no son paralelas. Al entrar y salir de este, la luz sufre una doble refracción. La luz se recoge en una pantalla, y lo que se obtiene es un haz que tiene todos los colores naturales del arcoiris separados. La luz ha sido suficientemente estudiada científicamente como un agente energético fundamental del universo. Con Maxwell, Einstein y Planck se llega a considerar como el agente más idóneo para el desarrollo humano del conocimiento, que es la esencia del hombre. El conocimiento "es" luz. Analizado como "longitud de onda" de la energía electromagnética, se ha llegado a considerar, la luz, la longitud de onda del kripton, de color rojo-naranja, como "medida matemática" de las grandes magnitudes del universo. La imagen visul u óptica es la mejor imagen posible del científico y del hombre. Maxwell fue quien definió la luz como "energía electromagnética" o "energía sin masa". La luz blanca es la síntesis blanca integral de una seria de ondaspor radiaciones cíclicas, con una frecuencia o longitud determinada, que son los tonos o los colores(cromas). Tonos fundamentales que según las últimas experiencias se saben que son 6: magenta, rojo-naranja, amarillo, verde, cian y violeta.
Las fuentes de luz o focos que se utilizan en el equipo de iluminación son blancas y de color.

 El ojo humano es el órgano a través del cual observamos o percibimos la luz, midiendo incluso su intensidad, calidad y caracteres se mide por su capacidad intuitiva o sensorial.
La retina recoge las longitudes de onda energética o del nervio óptico. El color blanco, sería la mezcla concreta de percepción de todos los colores u ondas.
El mundo exterior pasa a nuestra conciencia convertido en imagen perfecta con todos sus carácteres (formas, dimensiones..)

-TIPOS DE ILUMINACIÓN :

Se exponen a continuación varias clasificaciones de tipos de iluminación posibles, según distintas circunstancias, naturaleza y posiciones de las fuentes de luz o focos.
A) Clasificación básica:
-Iluminación de luz natural, sol. La luz natural es auto-generada y viene en un espectro de colores. Los colores visibles de los rayos que percibimos. El espectro de colores contiene luz con longitudes de onda más cortas cerca del violeta en un extremo y con longitudes de onda más largas cerca del rojo. Llamados rayos ultravioleta e infrarrojos respectivamente, estos rayos son invisibles a nuestros ojos.
-Luz artificial, foco o bombilla. La luz artificial es fabricada por el hombre a partir de otra fuente de energía. La mayoría de nuestras actividades se detendría si no tuviéramos una fuente de luz alterna. La ventaja de este tipo de luz radica en que podemos controlarla a voluntad. Podemos monitorear la intensidad, la cantidad y la calidad de la luz para ajustarla a cada situación. La luz artificial no tiene un espectro de colores tan amplio ni la longitud de onda de la luz natural; en consecuencia, no ofrece tantos beneficios. Ya que la calidad de la luz artificial es menor comparada con la luz natural
B) Luz blanca y luz color:
-Iluminación con luz integrada blanca.
-Iluminación con luz coloreada.
C) Dirección o proyección de la luz hacia el objeto o ambiente.
-Luz cenital, es la que baja verticalmente sobre el objeto.

-Luz frontal, es aquella de rayos paralelos al horizonte y que incide frente al objeto.

-Luz lateral u oblicua, de rayos que inciden por un lado de la escena u objeto.

-Luz contrapicada o desde abajo, se dan en el caso de que el objeto o la escena ocupen un plano o nivel superior al foco.

-Contraluz, en este caso la fuente de luz se ubica frente al fotógrafo y detrás del objeto a fotografiar, causando un efecto contrario al de la iluminación frontal. Por medio de esta iluminación se logran imágenes con elevado contraste y poco convencionales.

ACTIVIDADES.

1.Realiza tres fotografías utilizando el zoom de la cámara de tu móvil de tal modo que modifiquen la distancia focal (iso 400). La primera foto por las rodillas, la segunda por la cintura y la tercera por el pecho. Las fotos a la altura de los ojos.

2. La película de la cámara puede venir impregnada con una mayor o menor cantidad de sales de plata, lo cual hace que las texturas de las fotografías sea de grano fino, medio o grueso. Este factor se llama sensibilidad o ISO/ASA. La cámara digital también utiliza el factor ISO, adaptado a la correspondiente tecnología. El ISO puede tener diferentes numeraciones: 100, 200, 400, 800, 1600. Realiza varias fotografías modificando el factor ISO al mismo motivo. Y comprueba las diferencias entre las distintas fotografías, pásalas a blanco y negro para verlo con mayor claridad.

3. Realiza una serie de fotografías de una persona, viéndose parcialmente la cara (perfil), otra hasta la cintura y otra de cuerpo entero. Utilizando un objetivo gran angular.

EL DIAFRAGMA Y EL OBTURADOR

EL DIAFRAGMA.
El diafragma del objetivo es un mecanismo con un orificio en el centro que tiene como función principal dejar pasar la luz al plano de enfoque.
Este mecanismo está formado por unas laminillas metálicas desplazables, se puede modificar el diámetro de la abertura con la finalidad de dejar pasar mas o menos luz en el momento de disparar la fotografía.
La abertura del diafragma esta representada por una serie o escala numérica que se determinan con una f, que vienen marcados en el anillo del objetivo. Cada paso o número f deja pasar el doble de luz que el anterior los valores de la escala son universales y los objetivos pueden contener todos o parte de ellos.

Además de dejar entrar la luz el diafragma tiene una segunda función: controlar la profundidad de campo de la imagen. La profundidad de campo es la distancia que se considera nítida, tanto hacia adelante como hacia detrás, respecto al punto de enfocado.  Finalmente, el diafragma evolucionó hacia su estructura actual, que consiste en un conjunto de aletas, generalmente metálicas, que se mueven hacia adentro o hacia afuera, formando con sus extremos un orificio poligonal, cuyo diámetro define el valor de apertura; los más modernos utilizan aletas con perfil redondeado, lo cual produce un efecto más armónico en el bokeh de la imagen resultante.


EL OBTURADOR
Es un mecanismo que controla la entrada de luz en el interior de la cámara.
En las cámaras analógicas nos encontramos dos subtipos:
Obturador de laminillas: una cortinilla se desplaza un verme tiempo exponiendo la película a la luz. Este periodo de tiempo se selecciona mediante la velocidad de obturación y se miden en segundos o milésimas de segundo. La de obturación esta relacionada con el numero de apertura del diafragma la adecuada conjunción de ambos permite una exposición correcta.
Obturador de plano focal: El obturador de plano focal es el más extendido. Se monta justo delante del sensor y está formado por dos láminas: una de apertura y otra de cierre. Su funcionamiento consta de los siguientes pasos:

• Primero baja una lámina abriendo el obturador
• Posteriormente, en función del tiempo de exposición, la segunda cortina baja cerrándolo.

En las cámaras digitales  el obturador funciona mediante un proceso electrónico. Al pulsar el botón de disparo, las células fotosensibles del sensor se activan tardando unas centésimas de segundo en leer el motivo indicar la velocidad del obturador antes de disparar. La duración de este lapso de disparador o shutterlag  se indica en las características de  la cámara.